Программа VI Фестиваля театров Дальнего Востока получилась не только яркой, но и очень разнообразной. «За эти шесть лет Дальний Восток стал шире: к нам теперь относится Бурятия со своими сильными интересными театрами. Но и без того рост мастерства все заметнее с каждым фестивалем», – говорит Борис Бехарский, артист, главный режиссер Уссурийского театра драмы им. Комиссаржевской. Конечно, дело не в географии (хотя в такой огромной стране, как Россия, каждый регион обладает своей особинкой, добавляющей общему театральному пейзажу неповторимый колорит), но бурятские коллективы действительно запомнились.

Русский драматический театр им. Бестужева (Улан-Удэ) представил свою версию великой пьесы «Пер Гюнт» в постановке Даниила Филипповича. Название претерпело говорящую трансформацию и звучит как «Пер Гюнт. Возвращение к себе». Событийный ряд сильно сокращен, что не могло не сказаться на целостности сюжета и идее. Режиссер, относящийся к Перу с явно большей симпатией, чем то можно было бы предположить, зная все подробности жизни этого противоречивого персонажа, предлагает увидеть в нем не только бездельника, выдумщика и подлеца, следующего за своими часто низменными желаниями, а нечто иное. Алексей Редков играет его нервным, резким, злым, будто мстящим всему свету за что-то, чего и сам не может объяснить. Худая фигура все время находится словно в треморе. Соломенные волосы разметались возле костистого лица, в котором пульсирует какая-то острая болезненная мысль, сила, желание дать отпор всему, что мешает этому своенравному человеку на его пути. Поэзия, наполнявшая текст пьесы, не ушла с купюрами – она осталась в самом Пере Гюнте.

Этот нервный грешный человек вечно будет метаться и трансформироваться, жизнь его – в движении, он точно ртуть, и эта характеристика интересно перекликается с финалом драмы, в котором оживает легенда о Пуговичнике, переплавляющем души негодных людей. А Пер явно не из лучших. Но любящее сердце Сольвейг спасает и от смерти, и герой замирает в руках любимой. Впрочем, такие, как Пер Гюнт, существуют только в лихорадке бега, наполняясь жизнью, как легкие волшебного оленя наполнялись воздухом, а сердце – кровью. Остановиться – и значит для него умереть. Но, во всяком случае, он совершил большой путь и нагрешил существенно меньше, чем предполагалось пьесой. Может, следующий шаг – где бы он ни был сделан – дастся ему легче.

Еще одна оригинальная интерпретация классики – спектакль Комсомольского-на-Амуре драматического театра «Горе от ума?». Его целевой аудиторией по замыслу режиссера Павла Никитенко являются подростки, для которых драматург Клава Гущина удивительным образом перекроила пьесу Александра Грибоедова, да еще и дописала комментарии от лица молодого поколения.

Уже в первой мизансцене обращает на себя внимание грим персонажей: у всех лица набелены так сильно, что напоминают маски с нарисованными бровями и свекольным румянцем кружочком. Герои словно сошли с полотен мирискусников: те же розы, украшающие прически и костюмы, те же бело-розовые ленты на платье Софьи, кукольные движения, склоненные в поклонах позы. Чацкий же – единственный незагримированный участник действа. Он предстает в классическом обличии: цилиндр, крылатка, трость, все – черного цвета. Визуальное решение резко отделяет его от тех, к кому он приехал: те – яркие фарфоровые заводные куклы, движущиеся вереницей по заданной траектории. Пластическая партитура выверена и отточена, кажется, что цветная стена грозит смести своего облаченного в траур визави даже не со сцены – с жизненной арены.

Да он и не сопротивляется: куда ему! В постановке Чацкий вял, бездействен, молчалив. Виной тому, в первую очередь, новая инсценировка, лишившая героя едва ли не всех знаменитых монологов и мизансцен. И получается, что в спектакле не новое борется со старорежимным и проигрывает в неравном бою, а система перемалывает личность, даже не попытавшуюся принять это сражение. Все его идеи – воздушные замки, обрушивающиеся на землю при соприкосновении с действительностью. В финале Александр Андреич, заливаемый зловещим хищно-клубничным отблеском неведомого зарева, не устояв перед напором механической толпы, попадает под давящие его архитектурные элементы, а хоровод гостей фамусовского дома вновь движется на героя цветной стеной. Тогда визуально воплощенное название пьесы, отмеченное вопросительным знаком, буквально повиснет в воздухе, подводя итог размышлениям Павла Никитенко. Признаемся – не очень-то веселым.

Зато гораздо больше оптимизма и юмора в спектакле Чехов-центра «Шведская спичка» в постановке Олеси Невмержицкой. Знаменитый фельетон Чехова в трактовке южно-сахалинского коллектива неожиданно превращается из короткого анекдота в жанре уголовной хроники в долгую юмористически-детективную историю. Текст рассказа дополнен отрывками из других произведений автора, в том числе и драматических, что порой нарушает стилистическое единство постановки, хотя и расширяет объем ролей.

Таинственное исчезновение местного помещика, дебошира и пьяницы, будоражит глухой уездный город, представленный на сцене настоящим медвежьим углом, где единственным развлечением становятся выступления красотки Акулины – немой девицы в малиновых колготках – под фонограмму «Приходите в мой дом». Происшествие мигом приводит жителей в азартное напряжение. Интриги действию добавляет стильный черно-белый видеоряд (съемка начинается с идиллических среднерусских пейзажей, после сообщения об убийстве теряющих цвет, а затем и вовсе превращающихся в мрачноватый дикий лес), на котором по деревенской грязи некто в ярко-розовых резиновых сапогах с трудом катит тележку с чем-то тяжелым (наверняка тело! – догадываются зрители, не читавшие рассказа). По-новому решен и дуэт следователей, ставших в постановке Чехов-центра оригинальной версией умницы Холмса и недотепы Ватсона.

Женщины здесь все до единой – «фам фаталь», каждая в своем роде. Когда все хитросплетения сюжета будут блестяще распутаны сыщиками, именно уездные красавицы выйдут на первый план. От них здесь все зло – но у них же и вся власть. Соблазнительное бабье царство в цветных сапожках – это главная движущая сила спектакля, его центральный персонаж. Репризы, гэги, текстовые дополнения, оригинальное музыкальное решение и сценография делают эту «Шведскую спичку» не сатирической зарисовкой, а искрометной комедией, поставленной пусть и не слишком тонко, зато эффектно.

Постановка Бурятского театра драмы им. Намсараева «Dон Жуан» – переосмысление истории вечного героя, из мольеровского безбожника превращающегося в сегодняшнего лицемера. Режиссер Олег Юмов выбирает для спектакля стилистику, в которой сочетаются средневековая площадная сочность, визуальная пышная красота, гипертрофированная музыкальность. Действие развивается в быстром темпе, классический сюжет, раскрываясь, обрастает новыми событиями, меняется и посыл пьесы, и даже ее финал.

Упор в постановке сделан на эстетику. Сцена расширена за счет помоста, достроенного по центру вглубь нескольких зрительских рядов. Но демонстрируются здесь не моды, а модные нравы. Новый Дон Жуан (Бато Шойнжонов) выходит к публике как заправский стендапер, смело обращаясь в зал, ожидая ответов на реплики, рассыпая злободневные шуточки и даже вручая розы особо приглянувшимся женщинам. Герой по-прежнему дерзок, остер, находчив, но не столько легкомыслен и греховен, сколько легковесен. Персонаж Мольера был готов ответить за свои слова и действия – современный же просто болтает языком, причем, возможно, даже свободнее и бойчее, чем его двойник из прошлого. Не кажется глубокой и его страсть к женскому полу – это просто средство развлечения, а то и способ собрать контент для соцсети. Центральным монологом спектакля становится отповедь главного героя Сганарелю в ответ на упрек в неуважении к отцу – и впрямь несколько неумному зануде, слезливо убеждающему сына в том, что и так понятно, – на предмет: «Все лгут – и я буду!»

Этому новому Дон Жуану кара небес не грозит – Командор неожиданно не утаскивает его в преисподнюю, а лишь старит, превращая в красивого пожилого мужчину с неизменной лучезарной улыбкой. Из увиденного можно сделать спорный вывод, что лицемерие, отсутствие нравственных устоев и уважения к чему бы то ни было, неспособность сосредотачиваться на чем-то действительно важном – хотя и грехи, но такие, что присущи всем, а значит – не наказуемы так, как во времена Мольера. Сегодня вечный соблазнитель поплоше, легковесней – ему и пожатье каменной десницы уже не тяжело. «Никто не посмеет сказать, что я способен к раскаянию», – в страшной гордыне бросал герой оригинальной пьесы, подавая руку статуе. В наши дни про него не предположишь иного: будто он способен к осознанию того, что делает и как живет.

К классической части программы условно может быть причислена постановка Хабаровского ТЮЗа «Идеальная пара» по сценарию Ингмара Бергмана к знаменитому фильму «Сцены из супружеской жизни». Режиссер Константин Кучикин говорит в своей работе о том, что настоящая любовь выше условностей и не подчиняется правилам, тем более – навязываемым извне.

Респектабельные супруги Марианна (Елена Колесникова) и Йохан (Александр Зверев) словно сошли со страниц рекламного проспекта: они красивы, благополучны, счастливы – словом, идеальны. Стерильно-белый дом, в котором они живут, годится не для жизни, а для телевизионной картинки. Он напоминает съемочный павильон, в котором уже много лет играется постановочное шоу. На самом же деле жена-перфекционистка давно утомила мужа, нашедшего себе другую – вульгарную размалеванную студентку в ультракоротких шортах, и выбор мужчины во многом определяется контрастом двух женщин.

Режиссер утверждает, что жизнь не может превратиться в идеальную картинку, а если вдруг превращается – это всегда иллюзия. Недаром Йохан очень скоро обнаруживает, что гиперсексуальность молодой любовницы ему не по плечу, а привычный уют дома и элегантная красота жены были неотъемлемой частью его существования. Он напрасно упрекал ее в лицемерии – ведь и сам он напропалую лгал, прячась под маской любящего мужа и солидного господина. На деле же оба супруга хотели вволю поорать друг на друга и даже применить силу в особо острых ситуациях, которых в реальности всегда немало. И однажды съемки оканчиваются, реквизит выносят из павильона – действительность вступает в свои права. А спустя еще нескольких лет вдруг становится понятно, что Марианну и Йохана когда-то связывало настоящее большое чувство, которые люди из страха потерять попытались возвести на пьедестал идеала. Но любовь не терпит притворства, даже из самых лучших побуждений, потому и закончился крахом предыдущий этап их отношений. Зато начинается новый – сомнительный с моральной точки зрения: бывшие супруги вступают в тайную связь. Долго ли она продлится? – Кто знает. Но шоу «Идеальная пара» совершенно точно прекратило свое существование – началась настоящая жизнь.

Но не классикой единой жив театр – в программе фестиваля было много постановок по современной драматургии.

Спектакль Камчатского театра «Человек из Подольска», поставленный Георгием Сурковым, – очередная вариация пьесы Дмитрия Данилова, прошедшей по сценам страны как огненный вал. Сюжет ее действительно не имеет географической привязки. Как-то вечером молодой человек Николай невесть за что попадает в отделение полиции. Герой сперва раздражен: час поздний, ему пора на электричку в подмосковный Подольск, нарушений за ним нет, а силовым структурам в нашем народе традиционно не доверяют. А тут еще праздник грядет: режиссер переносит время действия в новогодние дни, украшая аскетичную обстановку участка светящимися гирляндами, развешенными прямо на решетке КПЗ. Одетый в костюм Деда Мороза сотрудник полиции приносит елку, по телевизору идет «Один дома»: на дворе – переходный период, дающий ощущение перемен, возможности чуда, ожидания чего-то неизведанного.

Оригинален и допрос Николая: каково население Подольска, в каком году был основан город, как звучит гимн Москвы? Ни на один из вопросов у героя нет ответа, так что его стыдят всем отделением. Полицейские издеваются над его словами, мыслями, чувствами, становятся все агрессивнее, даже демонстрируют возможность применить силу, но в конце концов предлагают спеть под неопределенную мелодию куплет с удивительными словами «Ай, лёлэ, лёлэ, лёлэ», сопровождая пение «танцем» такого же художественного уровня. Режиссер как будто держит в голове две самые распространенные (и, справедливости ради, единственно возможные) трактовки пьесы. В самом деле: она либо про насилие над личностью со стороны власти – и проблема эта может быть обобщена сколь угодно широко, – либо про то, как закоснел в своей серости маленький человек, привыкший свою вину перекладывать на государство. Обе эти интерпретации воспринимаются Георгием Сурковым с легкой иронией: хотите полицейского произвола – вот он! Хотите популистских идей – и они в наличии. Вечная нравственная дилемма – тянуть ли человека к свету волоком или позволить ему следовать собственным желаниям погрязать в быте и рутине – никогда не может быть решена. Нет готового рецепта и у постановщика, но тему для размышлений он, безусловно задает.

Задает ее и постановка Приморского театра молодежи (Владивосток) «Море. Звезды. Олеандр» по одноименной пьесе Марии Малухиной. Спектакль Филиппа Гуревича адресован, в первую очередь, молодым зрителям, но будет интересен и их родителям. Юная Даша (Валерия Самарина), обычная девчонка в безразмерных шортах и футболке, отдыхая у моря, не только переживает первую любовь и первую женскую обиду, но и попадает в страшную даже для опытного человека ситуацию: становится свидетельницей случайного убийства, совершенного ее соседкой по лагерю, успешной и красивой Алисой. Жертвой становится такой же юный ловелас, захотевший на отдыхе взрослых удовольствий, зашедший слишком далеко и пострадавший хоть и нелепо, но фатально.

В спектакле мало действия, поскольку пьеса не слишком сценична: в ней наряду с главной героиней участвует только Дашин внутренний голос. В этой ипостаси на сцену выведена Дарья Макарова – куда более собранная, чем ее «хозяйка», волевая и почти по-мужски разумная. Надо сказать, Даша в свои 16 лет – очень сильный и умный человек: она хорошо анализирует, четко связывает события в логическую цепочку, трезво оценивает свои поступки и эмоции, и ее финальное внутреннее преодоление выглядит органичным. Но в начале постановки перед зрителем предстает просто испуганный подросток, пытающийся стряхнуть ступор, сковавший его при столкновении со смертью.

В спектакле не осуждают никого из героев. Постановка сфокусирована на том, какой нравственный выбор сделает главная героиня: останется ли в стороне, не сообщив об убийстве, бросит ли несчастную Алису один на один с бедой или решит, что такое страшное событие можно пережить только сообща? Даша выбирает этот путь. На глазах зрителей происходит не только взросление ребенка, но и акт преодоления себя. При всех несовершенствах пьесы и ее сценического воплощения педагогические акценты Филипп Гуревич расставляет совершенно верно. Возможно, в этой твердой позиции – главное достоинство работы Приморского театра молодежи.

Этой последовательности ощутимо недостает спектаклю «Мой папа – Гулливер» Уссурийского театра драмы им. Комиссаржевской. По мысли режиссера Романа Габриа он должен стать обобщением сложной социальной и семейно-нравственной проблемы, однако именно художественного обобщения сюжету не хватает. Он воспринимается нарочито бытовым. На юбилей к талантливому кардиологу Николаю Епишеву (Борис Бехарский) собираются родные и друзья. Все они очень разные, а потому конфликт неизбежен. Глава семейства – традиционалист-консерватор, ратующий за семейные ценности, государство и патриотизм, но все эти правильные слова и взгляды не находят воплощения в реальности. Он затерроризировал жену и двух дочерей, в чьих жизнях – сплошные психологические травмы, фактически отрекся от матери, бросив ее одну в глухом углу, так что теперь его требования, предъявляемые к родным женщинам, кажутся насквозь лицемерными. Беда в том, что даже этот неприятный человек оказывается Гулливером среди лилипутов – и становится тревожно за то будущее, к которому мы идем, если принять за истину размышления постановщика.

«Не надобно иного образца, когда в глазах пример отца», – на свой лад пытается сказать Роман Габриа. Главный герой, лицемер и демагог, напрасно требует уважения и любви, да еще хочет заставить всех жить по его заветам: в таком случае надо быть готовым к тому, что окружающие, пытаясь воплотить заведомо невыполнимые ориентиры, превратятся в копию того, кто так жестоко понукал ими. Безусловно, копию уменьшенную, так что Гулливер стремительно и последовательно вырождается в микроскопическую породу.

Но есть в России и другие люди, о которых рассказала постановка Данила Маховикова «Чукотка» Чукотского драматического театра им. Куваева (Анадырь). Ее текст составляют монологи местных жителей, отрывки из романа «Территория» писателя и геолога, главного певца тех суровых краев Олега Куваева, а также другие литературные фрагменты. «В этом году меня приятно удивили ребята из Анадыря. Представьте: в глухом месте появился профессиональный театр! Мне их спектакль “Чукотка” очень понравился. Он интересно сделан: игровую часть сменяют высказывания старожилов. Артисты проникновенно, с теплой интонацией рассказывают документальные истории о своем крае», – замечает Борис Бехарский.

«Чукотка» – это театрализованная презентация незнакомого для большинства жителей России места, его визитная карточка. История, развивающаяся на сцене, понятна всем, кто хоть раз читал советские рассказы об исследователях или видел один из многочисленных фильмов на эту тему. Молодой корреспондент газеты Варвара (Яна Янковская) приезжает в геологический поселок к хрестоматийным суровым геологам, чтобы сделать репортаж. Кажется, что романтически настроенная фея впорхнула в неустроенную бытовку, где из мебели – огромные синие и красные бочки и маленькая печурка. Те самые геологи, представленные рыцарями без страха и упрека, рассказывают героине свои простые, но увлекательные истории, слегка приукрашивают настоящие каждодневные подвиги, застенчиво пытаются ухаживать за журналисткой. Это абсолютно реальные люди, но сегодня они воспринимаются недостижимым идеалом, и эта тоска по прекрасному, всегда несколько искаженному в ту или иную сторону прошлому очень трогательно проступает в игре артистов.

Герои индивидуализированы: мятущийся городской юноша, хватающийся за все экстремальные профессии сразу, мужественный и решительный начальник экспедиции, его друзья и коллеги, не менее мужественные и решительные, но не отягощенные грузом ответственности в той же высочайшей степени, нежели он. Они говорят о простых понятных вещах, поют под гитару бардовские песни, кинематографически кутаются в шарфы. Так ли сегодня в Анадыре? Очень может быть. То же утверждают и рассказы местных корреспондентов: о невероятной взаимопомощи людей, живущих вдали от цивилизации, о холодах и снежных заносах, которые невозможно представить в центральной части России, о горячей и совершенно искренней любви к своей малой родине, о человечности и высоких идеалах. Спектакль Театра им. Куваева ценен именно человеческим откликом, причем с обеих сторон – со сцены и вне ее. Есть в огромной России такая земля – Чукотка. Главное – знать и помнить о всех наших землях и людях, на них живущих.

Люди – всегда главная ценность, в чем убеждены организаторы и эксперты фестиваля. Благодаря этому зрители смогли посмотреть два инклюзивных спектакля: в основной программе театр «Алгыс» из Якутска показал медитативную композицию «Дневники Джидду Кришнамурти», в программе-офф театр кукол «Жили-были сказки» из Южно-Сахалинска представил обаятельную «Сказку о рыбаке и рыбке». Оба коллектива – инклюзивные, в них нормотипичные актеры выходят на сцену вместе с разными группами людей с особенностями физического и ментального здоровья.

«Алгыс» – первый инклюзивный театр в Республике Саха (Якутия). Режиссер Лена Гримм-Гримм-ИЛИН КYН поставила с юными артистами (в их числе молодые люди с ОВЗ, в том числе, передвигающиеся на коляске, с синдромом Дауна, ментальными нарушениями) спектакль-размышление на философские темы. Он основан на дневниках индийского мыслителя, чьи духовные искания лежали в русле традиционных для Индии религиозных воззрений, а потому кажется отвлеченной абстракцией. Однако пластическое и музыкальное решение (в постановке звучат живой вокал и музыка в исполнении Айталины Баттаховой и Лены Гримм-ИЛИН КYН) и искреннее эмоциональное подключение исполнителей наполняют его живым чувством, а сверкающие серебром костюмы участников придают действию особую визуальную красоту.

Работа коллектива «Жили-были сказки» рассчитана на детскую аудиторию. Режиссер Наталья Шаркова, актриса Чехов-центра, изобретательно используя самые простые средства – мыльные пузыри, прозрачную полиэтиленовую пленку, фонарики, – превратила небольшое пространство зала Областного центра народного творчества в настоящее подводное царство. «На дне» живут морские обитатели, из волн выплывает Золотая рыбка в исполнении Анастасии Гуцуленко. Спектакль играется сперва средствами теневого театра, затем – театра кукол, после чего перед зрителями предстают юные артисты, непосредственные, эмоциональные, увлеченные. Их искренний интерес к сказке Пушкина заразителен, героям сопереживаешь, и хочется, чтобы знакомый всем с детства текст звучал не в записи профессионального актера, а участниками инклюзивной творческой лаборатории. Есть уверенность: они справятся.

«Инклюзия – это про включение вообще всех, про создание такого сообщества, в котором человека принимают со всеми его особенностями, – говорит Рида Буранова, педагог образовательной программы Фестиваля театров Дальнего Востока, куратор инклюзивных практик и руководитель методического отдела ГАЦТК им. Образцова. – Театр не может существовать только для какой-то определенной группы, это все-таки не элитарное искусство. Театр должен быть для всех, и потому инклюзия начинается с нас самих и нашего отношения к другим людям». Инклюзивные коллективы – участники фестиваля сумели не только тронуть зрителей, но и заинтересовать их своей работой, на деле подтвердив слова специалиста.

Полюбились публике и уличные показы – программа «Театр в городе». В ее рамках Авторский театр «Эскизы в пространстве» показал два спектакля: сказочный, наполненный хореографией, населенный мифическими персонажами, животными и куклами «Белый лес» на побережье Охотского моря, а в сквере Чехов-центра – «Ужин при свечах», оригинально интерпретирующий произведения Михаила Булгакова. Коллектив создает свои постановки вне традиционных театральных пространств: на заводах, в лесах, на воде, в монастырях, на пароходах и даже в шкафу для одного зрителя.

В сквере возле Новой сцены Чехов-центра состоялась премьера альманаха историй о любви «#Люблюнемогу». Да-да – это тоже премьера, несмотря на то, что южно-сахалинский спектакль впервые увидел свет в ноябре 2021 года: для участия в Международном открытом фестивале «Театральный бульвар-2025» в Москве он был сокращен и также адаптирован к уличному показу. Красноярский музыкальный театр привез спектакль-променад «Три сестры. Тропа Ирины». Его маршрут был специально проложен в локациях столицы Сахалинской области. Каждый зритель смог услышать историю самой юной из сестер Прозоровых в персональных наушниках: его гидами стали артисты, в чьем исполнении прозвучал не только чеховский текст, но и музыкальные произведения, написанные для постановки композиторами Александром и Сергеем Пантыкиными.

И еще одна постановка – «Мой» творческого объединения «ТОН» – была показана вне театральных стен: она прошла в кафе «Культурное место» у Новой сцены Чехов-центра. Историю матери, посвятившей единственному сыну всю себя без остатка, в ущерб себе и нормальной жизни, рассказала актриса Маргарита Голошумова. Впечатлением от увиденного поделился Борис Бехарский: «Пьесы Ольги Никифоровой интересны, пропитаны юмором, в них есть ирония и многое из того, что свойственно хорошей классической русской драматургии. Не шутки ниже пояса, а ситуации, над которыми ты сперва смеешься, потом чуть-чуть грустишь и обязательно задумываешься. Так происходит на спектакле “Мой”. Артистка прекрасно играет, мы смеемся, следя за ее историей, но ведь на деле-то ни фига не смешно! Женщина испортила жизнь себе и пыталась испортить ее и сыну. Это глубокая вещь».

Все эти спектакли вошли в офф-программу фестиваля. В ее рамках зрители посмотрели также «Сказку о реке Кьяр» Сельского театра драмы и комедии в селе Фомиха – камерную работу в духе театра предмета по произведению французского писателя Жана-Клода Мурлева «Река, текущая вспять». Это волшебная история двух детей, переживших взрослые испытания, прошедших сквозь зачарованный лес и пустыню, возвращающую в прошлое, победивших смерть. Постановка порой кажется перегруженной всевозможными фантазиями, но усложненность сюжета не так заметна на первый взгляд, поскольку ее надежно маскирует целый фейерверк придумок, связанных с использованием реквизита. Главное в этой сказке – удивительные превращения груды чемоданов в повозку, качели, пустынный бархан. Посыл авторов понятен, воплощение невероятно изобретательно и эстетично, фабула в целом интересна, а артисты очень обаятельны и естественны. Увиденное оставило ощущение чуда, к которому ненадолго удалось прикоснуться рукой.

Совсем в другом ключе предстала еще одна гостевая работа – «Друзья» Театра Наций, сыгранная на фестивале дважды. Сюжет пьесы Кобо Абэ обязательно напомнит о корейском фильме «Паразиты»: добродетельная семейка навязывает свое тотальное присутствие молодому человеку под предлогом того, что герой одинок. Тот было сопротивляется, но куда там! Абсурдистский текст, жанровые переходы от фарса к триллеру и обратно, костюмы в стилистике аниме, яркие актерские работы – зрителям было за чем следить и о чем поразмышлять. Как заметил режиссер спектакля, японец Мотои Миура, его постановка о том, «о том, как быстро современное общество может лишить человека собственной идентичности».

Рассказывая о спектаклях, нельзя не упомянуть показ, ознаменовавший закрытие фестиваля, – «На всякого мудреца довольно простоты» Санкт-Петербургского государственного академического драматического театра им. В. Ф. Комиссаржевской. Постановка Александра Баргмана выдержана как чистая балаганная форма, в которой саркастический юмор Островского звучит хотя и остро и глумливо, но еще и невероятно смешно. Герои, традиционно вскрывавшие пороки общества, вдруг повернулись ярко-комической стороной, и стало ясно, что иногда над общественным злом можно просто хохотать.

В спектакле все – игра. Подвижный, приплясывающий, как марионеточный чертик, сверкающий умными глазами азартный злой молодой человек Егор Дмитриевич Глумов (Богдан Гудыменко) делает карьеру азартно, умно и зло. Ему трудно не желать удачи – но обаяние истинного зла всегда велико. К финалу герой демонстрирует все больше инфернальных черт. Вот он вылезает из кучи дымящегося угля, чтобы с великолепным презрением возражать своим лицемерным хулителям, вот сидит на перевернутых санях с видом короля мира, а у ног его догорают страницы дневника. «Я вам нужен, господа. Без такого человека, как я, вам нельзя жить. Не я, так другой будет. Будет и хуже меня», – говорит он. Но и эти двуличные люди нужны Егору Дмитриевичу, как бы он ни хорохорился, как бы ни сдерживал предательские слезы. Нет их – и не звенит в нем музыкальная струна, стихают яростные мелодии, наполнявшие постановку, обрывается блестящая партитура. Конечно, он карьерист – но карьерист виртуозный, артистический, и для наиболее вдохновенной игры ему необходимы партнеры. В этом вечном симбиозе – секрет их почти двухсотлетнего (и это только со времен Островского!) взаимовыгодного сосуществования. «Но, я полагаю, через несколько времени можно его опять приласкать», – догадывается кто-то о невозможности лишиться такого дельного малого. И его призовут и приласкают, как без этого! А он – уж будьте уверены! – обязательно придет.

_____

Такой насыщенной и запоминающейся получилась афиша. Неудивительно, что, по единодушному мнению экспертов и гостей мероприятия, в этом году фестиваль вышел на уровень, предполагающий вручение наград. Несколько постановок были отмечены дипломами театральных критиков. Среди дипломантов – Алексей Редков («лучшая мужская роль», спектакль «Пер Гюнт. Возвращение к себе», Государственный русский драматический театр им. Бестужева, Улан-Удэ), Надежда Абзаева («лучший художник по костюмам, спектакль «Dон Жуан», Бурятский театр драмы им. Хоца Намсараева, Улан-Удэ), Павел Бабин («лучшее световое решение», спектакль «Море. Звезды. Олеандр», Приморский театр молодежи, Владивосток), Константин Кучикин («лучшая режиссерская работа», спектакль «Идеальная пара», Хабаровский краевой ТЮЗ). Бато Шойнжонов и Дария Шагдурова награждены как лучший дуэт (спектакль «Dон Жуан»), а артисты Чехов-центра признаны лучшим ансамблем (спектакль «Шведская спичка»).

Хотя классических названий было меньше, чем современных, решены они были так интересно и своеобычно, что именно их отметили критики и зрители. Однако и классические произведения трансформируются под влиянием сегодняшнего дня. Острый вопрос – по-прежнему ли они актуальны для публики? – наиболее проблемно (и даже буквально) прозвучал в постановке из Комсомольска-на-Амуре. Пусть и спорное, но последовательное решение спектакля показало, что молодые режиссеры ищут точки соприкосновения классики с действительностью. Может, кому-то покажется, что не находят, но предложенный Павлом Никитенко угол зрения доказал: пьеса Александра Грибоедова вовсе не устарела, а Чацкий – герой и нашего времени тоже. Убери его из сюжета, отодвинь на второй план, как было сделано в этой версии «Горя от ума», – и все рассыпается, конфликт исчезает. Порой не совсем точно избранная концепция высвечивает верное направление дальнейшего поиска.

При всей внешней несхожести этой постановки с «Dон Жуаном» Олега Юмова сценическая интерпретация, предложенная для обоих произведений, высветила общую для них проблему: волнуют ли зрителя те же чувства и идеи в век нынешний, что и в век минувший? В частности, действительно ли устарел религиозный взгляд на смысл человеческой жизни? Режиссер попробовал поставить спектакль, исходя из утвердительного ответа, – и оказалось, что вопрос не снят. Этика пока еще (и к счастью) не исчерпывает глубокой нравственной проблематики, определяющей бытие, а понятие греха по-прежнему однозначно. Его непросто размыть – разве что попытаться представить иллюзией. Так, второе действие спектакля «Пер Гюнт. Возвращение к себе» решено как болезненный сон героя. Благодаря сделанным лакунам из него пропало ощущение долгого жизненного путешествия главного действующего лица, когда он старел, приобретал опыт, вбирал в себя грехи мира, познавая его всем существом. А то, что выпавшие на его долю странствия, встречи и поступки совершались в бреду, как будто снимает вину с оригинального Пера Гюнта. В самом деле, есть разница: убить – или увидеть во сне, как убиваешь!

В «Шведской спичке» также была сделана попытка поискать точки соприкосновения с сегодняшним днем. Уголовная хроника чеховских времен уже очевидно не может стать предметом высмеивания. Что же пришло на смену этому популярному жанру? Уж во всяком случае, не сатира – юмористическая интонация ближе и понятнее и публике, и артистам.

А вот что осталось неизменным, так это нравственное начало, по-прежнему важное для русского зрителя. Смягчается холодная отстраненность сценария Бергмана в хабаровской интерпретации «Идеальной пары», однозначно трактуется сложная ситуация, в которую попадает юная героиня спектакля «Море. Звезды. Олеандр», где постановочная группа в полном составе избегает соблазна предложить публике ложные психологические выводы. Даже в не всегда убедительной постановке «Мой папа – Гулливер» звучит правильная мысль о том, что традиционные ценности не насаждаются в принудительном порядке, а требуют соответствующего воспитания и отклика в душе того, кто их декларирует.

И еще одна тема, прозвучавшая в сахалинской программе, – именно из пресловутого ряда патриотических и самых что ни на есть традиционных ценностей: любовь к малой родине. Об этом – и «Человек из Подольска», предлагающий в любом скромном городке увидеть Амстердам, и, разумеется, «Чукотка», о которой Борис Бехарский справедливо замечает: «Я считаю, такие постановки должен иметь каждый регион». В общем, театр по-хорошему традиционен, люди не меняют правильных убеждений, а классика вечна – чем не самый отрадный итог фестиваля?

Точнее всего его определяет худрук Сахалинского международного театрального центра им. Чехова Александр Агеев: «У меня на фестивале не было задачи смотреть программу с режиссерской точки зрения – я смотрел как зритель, улыбался, испытывал радость. Наверное, кроме радости и не испытывал ничего!» Уверены: то же самое может сказать каждый зритель, проведший эти жаркие летние дни за просмотром спектаклей в насыщенной программе VI Фестиваля театров Дальнего Востока.